Gil Antonio Munuera: «Placer y libertad son dos objetivos desde los que me planteo el día a día»

Dónde está cuando no hace arte. Mi primera herramienta creativa fue una cámara de vídeo. Siempre quise dedicarme al cine. Mi forma de componer imágenes originalmente es más cercana a la imagen en movimiento que a la fotográfica. Por esta razón mantengo una afinidad muy fuerte con esta herramienta. Después de años dedicándome a la pintura, he rodado un documental, entre otras razones, por la serie de concordancias que tiene el tema elegido con mi idea de creatividad. Titulado «Hombre Agua», se podría entender como una pequeña introducción al mundo de la radiestesia. Para mí, es un estudio sobre formas de intensificar la percepción, de hacer visible lo invisible. También sobre la importancia de la aptitud o del «saber estar», así como del uso de herramientas para amplificar la búsqueda; pero al final queda claro que estas herramientas son prescindibles y que es en nuestro cuerpo y nuestras manos donde reside el potencial.

Le gustará si conoce a... Antes de comenzar la facultad de Bellas Artes tuve la suerte de adentrarme en el mundo de la talla en piedra a través de mi hermana, Concha Munuera. Siento cierta nostalgia de la libertad asociada a la escultura, sobre todo de su confrontación con lo físico, definiendo el espacio y transformando la materia, emoción que finalmente me resulta bastante productiva para mi obra.

En mi familia, trabajar con las manos, crear nuestros propios juguetes o transformar cosas, siempre ha estado en nuestra cotidianidad

Por otro lado, tengo dos referentes que están desde el principio: uno es Giorgio Morandi. Siempre me cautivó su metafísica de los objetos y su análisis de la realidad. El otro es Robert Bresson, del que admiro profundamente su visión del azar y su metodología, siempre en búsqueda de la pureza. Son dos creadores que tiendo a confundir y que suponen una fuente de motivación para mí. En los últimos años me interesa mucho la obra de artistas como Wolfgang Tillmans, Joan Fontcuberta, Dariío Urzay, Lee Ufan o Ignasi Aballí, entre muchos otros. De mi generación destacaría a Carlos Maciá, Miguel Rael, Álvaro Negro y Juan Sánchez.

¿Qué se trae ahora mismo entre manos? En este momento estoy trabajando en dos series al tiempo; dos cuerpos de trabajo radicalmente diferentes en su ejecución y planteamiento. Quizá por eso, mi intuición es que ambos terminarán enlazándose. Parto de dos títulos provisionales para ellas: la primera es «Mano montaña», en esta trato sobre la relación entre sujeto y objeto y cómo la representación se convierte en un eco del espacio que existe entre ambos. Es una pintura de estilo gestual desarrollada mientras observo la montaña, en la que no busco la mímesis formal, sino la sintonía con el objeto. La segunda se titula «Phenomena o hacer lo que nunca fue», en la que indago en la relación entre visualidad y veracidad. La entiendo como un forma de cuestionar la visión, de subrayar que lo que vemos no es siempre lo que estamos mirando. Como punto de partida utilizo fragmentos de reproducciones fotográficas sobre papel de periódico. Me gustan las cualidades gráficas de una imagen víctima de la pérdida de contenido desde el proceso de representación inicial.

¿Cuál es su obra favorita hasta el momento? Me resulta muy complicado discernir. Me siento orgulloso de muchas obras en concreto. En algunas ocasiones, he quedado muy satisfecho con el montaje de una exposición, incluso más que con las piezas que la conformaban, y lo he entendido como un nivel más complejo y satisfactorio. Pero si tengo que elegir una obra, me quedaría con el vídeo que expuse en una de mis últimas individuales, «La luz es como el agua».

Conservo quizás no tanto la pasión inicial como la idea de que recuperarla continuamente es la principal vía para comunicar

Lo realicé durante el rodaje de mi documental, en un momento en el que necesitaba recursos para ambientar el discurso de la obra. Fui a un río a buscar composiciones en las que aparecieran reflejos de luz en el agua. Me interesaba enriquecer la narrativa con inserciones esporádicas en las que se ofreciera una visión sintética del conjunto de la obra en pequeñas piezas de cinco a diez segundos. El resultado fue bastante satisfactorio y terminó dando pie a una nueva serie en la que la usé como pieza clave de la exposición.

¿Por qué tenemos que confiar en él? Creo que una buena razón para confiar en mí es que, después de los años que llevo trabajando en el mundo del arte, y teniendo en cuenta lo mermante que puede llegar a ser, conservo, quizás no tanto la pasión inicial como la idea de que recuperarla continuamente es la principal vía para comunicar. En ese sentido, no sé si aporto algo nuevo de una manera inmediata, sino que para mí el peso de la obra está en la responsabilidad y la consistencia que se establece mediante un lenguaje creado durante el desarrollo de una carrera. Por lo general creo en la buena actitud por encima de las resoluciones definitivas. Al final, el impulso lo da la confianza de tener cosas que contar y el querer transformar tu entorno. Creo que, por encima de la transcendencia personal, está un cierto impulso evolutivo. Me gusta pensar que el arte sigue teniendo un papel predominante en esto.