Las mejores exposiciones del verano para los críticos de ABC Cultural

Olafur Eliasson (Museo Guggenheim. Bilbao)

Este verano todos los aficionados al arte contemporáneo tienen una cita ineludible en el Museo Guggenheim de Bilbao para ver la muestra Olafur Eliasson: en la vida real , una atractiva propuesta expositiva que abre sus puertas en este centro.

Realmente debemos decir que reabre ya que, inaugurada en febrero, tuvo que cerrar durante el confinamiento pandémico.

Se trata de una exposición que en gran medida cont¡núa con la que ya tuvimos ocasión de ver el pasado año en la Tate Modern de Londres y que presenta un total de treinta piezas realizadas entre 1990 y la actualidad, con una gran variedad de registros expresivos, entre ellos, pintura, escultura, objetos e instalaciones y conceptuales (geometría, medioambiente, luminosidad) que a su vez introducen en su composición materiales y elementos tan diversos como el agua, la niebla, el hielo, los metales reflectantes y, casi siempre, la luz.

Con ellas, el artista danés (Copenhague, 1967) nos invita-incita a reflexionar sobre el conocimiento y la percepción sensorial –no sólo visual– del mundo físico en el que vivimos y que muchas veces no somos capaces de aprender y aprehender con facilidad. Sin duda, una auténtica experiencia en todos los sentidos y –literalmente– para todos los sentidos. Hasta el mes de octubre. Por Francisco Carpio.

«Listen to me!» (DA2. Salamanca)

Las periferias podrían gritar bien alto «Listen to me!» Y es por esto por lo que, si hay que visitar exposiciones en verano, es importante hacer hincapié en las que están fuera de las grandes capitales, terreno árido como pocos. Es de ley reconocer el doble esfuerzo al que se ven sometidas las salas públicas y privadas de las diferentes provincias.

Liste to me! es también la selección de fondos de las colecciones DA2 Domus Artium 2002 , Fundación Coca-Cola y Luciano Méndez Sánchez , comisariada por Ana Gabriela Ballate Benavides y Yadira de Armas Rodríguez , con motivo de la celebración de Concordia 2020, usando esa misma concordia como hilo argumental.

De esta manera, la cita toma la representación y construcción de un espacio común entre las tres colecciones de arte con la relectura de género que aporta las piezas escogidas. De este modo, las jóvenes comisarias se implican con nuevos cuestionamientos que crean diversos escenarios que apelan, directamente, a esa mirada atenta a la figura femenina. Interrogantes como qué significa ser mujer, o si nos ha definido la anatomía, el sexo, el comportamiento. Si las respuestas a esas preguntas nos oprimen o nos liberan se intenta resolver con las piezas de Juan Luis Moraza, Cristina Lucas o Marina Nuñez . Hasta el mes de octubre. Por Noemí Méndez .

«Fernando Higueras: Desde el origen» (TEA-Tenerife)

TEA-Tenerife Espacio de las Artes ofrece la oportunidad de visitar, o volver a visitar, Fernando Higueras: Desde el origen , la exposición que se presentó en el Museo ICO durante el pasado año y que ofrece un recorrido extenso por la trayectoria de este autor, una figura controvertida y absolutamente imprescindible de la arquitectura española contemporánea.

En palabras de su comisaria, Lola Botia , el propósito de esta cita es «mostrar la magnífica obra de Higueras, en cantidad y calidad»; un propósito muy necesario, por otra parte, para poder recuperar y revisar con rigor su figura, a la que se ha atribuido una sensacionalista condición de maldito y excéntrico que ha limitado el reconocimiento del valor y trascendencia de su arquitectura.

La exposición busca recalcar la preocupación de Higueras por lograr la belleza y su obsesión por el usuario. Señala Botia que le interesaba más escuchar la opinión de los constructores y usuarios de sus edificios que las de aquellos críticos que opinaban sin haber estado en ellos.

Aunque la arquitectura de Higueras, como escribiese Oscar Tusquets , estaba hecha de olores, de sensaciones y era preciso vivirla, es básico acercarse a esta muestra que introduce a la visión y sustancia de su obra, la cual estuvo vinculada a las islas Canarias a través de la labor que, «en un tándem irrepetible», desempeñó en colaboración con el artista César Manrique . Hasta el 25 de octubre. Por Fredy Massad

«Rembrandt y el retrato en Ámsterdam» (Museo Thyssen. Madrid)

Hay muchas exposiciones interesantes que visitar este verano anómalo en España , pero si tengo que recomendar una me inclino por la dedicada en el Museo Thyssen de Madrid a Rembrandt y el retrato en Ámsterdam.

Creo que la deprimente situación en que nos hallamos invita más a disfrutar del arte que a reflexionar con él, y lo que el museo nos ofrece con esta muestra es el placer de la pintura bien hecha , de la ejecución precisa, de la mano maestra. Poder gozar sin colas ni aglomeraciones de varios retratos de Rembrandt y de algunos de sus contemporáneos más sobresaliente s no es algo que se vaya a repetir muy a menudo.

Por otra parte, y teniendo en cuenta el tiempo que nos ha tocado –tiempo de mascarillas–, recrearse en la contemplación de unos rostros descubiertos quizá nos proporcione un deleite con el que no contábamos.

Que sean los rostros de los abuelos de los amigos holandeses (iba a poner compatriotas europeos) que ahora se muestran reticentes a prestar sin condiciones la ayuda que necesitamos es una bella casualidad que servirá al amante de las coincidencias para meditar sobre las profundas diferencias existentes entre la mentalidad protestante y la católica. Hasta le 30 de agosto. Por José María Herrera

Juan Francisco Casas (Galería Fernando Pradilla. Madrid).

Sinceramente, nunca lo habría imaginado: que un tipo, pintando a bolígrafo sobre papel, llegaría a convertirse en uno de los grandes autores españoles contemporáneos . Sin embargo, la última exposición de Juan Francisco Casas en la galería Fernando Pradilla de Madrid viene a demostrar no solo su extraordinario virtuosismo como pintor y dibujante, sino también su elevada categoría como artista.

Casas presenta en esta ocasión un diálogo de seis años de duración con la obra de la pintora barroca Artemisia Gentileschi . Se trata de una artista cuyo trabajo permite enfrentarse con la gran tradición de la pintura barroca europea, y posibilita igualmente un debate sobre la representación del erotismo en el arte contemporáneo, en relación a las perspectivas de género.

Puesto que Casas retrata desde hace tiempo mujeres desnudas, difícilmente ha podido evitar la acusación de incurrir en una tópica mirada masculina sobre el cuerpo objetualizado de la mujer. Por eso, al confrontarse con la obra de Artemisia Gentileschi está tratando también de formular una segunda cuestión: ¿puede un varón heterosexual pintar hermosas mujeres desnudas sin incurrir en la descalificación de «machista» ? La inteligente exposición de Casas demuestra que sí. Hasta el 31 de agosto. Por Miguel Cereceda.

Carlos León (Iglesia de Santo Domingo.

Carlos León es, sin ningún género de dudas, uno de los mejores pintores españoles , un artista absolutamente maduro, consciente «de todo aquello» que ha absorbido, desde la abstracción gestual hasta la comprensión del soporte-superficie de la pintura; de la antigua tradición dionisíaca a la pasión barroca; de la digitación cromática a la serenidad reflexiva.

En los meses del «confinamiento», León no ha dejado de «abrir las puertas» del sueño , sedimentando con acrílico sobre madera hermosos jardines, adentrándose en unos «interiores» que son, valga la clave lacaniana, estricta «extimidad».

En su anterior exposición en el CAC de Málaga titulada Tomando distancia , ya mostró esta nueva inflexión pictórica, tras haber realizado verdaderas obras maestras sobre dibond. Desde una serie tan fulgurante como «El nombre de los meses» (2016), el pintor ha sido capaz de, literalmente , liberar su mano para introducir, por emplear la analogía musical con Carlo Gesualdo , una suerte de «protoarmonía tonal».

Acaso sean los nuevos cuadros de este intenso artista en el espacio desacralizado de la iglesia de Santo Domingo, en Pedraza, «alegóricos madrigales» , piezas contrapuntísticas de una belleza extraña. Ahora encuentran acomodo en una estancia litúrgica y se nos ofrece, entre otras exquisiteces visuales, una Fuga (2019) que sintetiza a la perfección la verdad estética de Carlos León.

«Laudare, benedicere, praedicare» : los lemas dominicos resuenan en esta lujosa y honda pintura que nos ofrece, intempestivamente, destellos de esperanza. Hasta el 25 de septiembre. Por Fernando Castro Flórez

Daido Moriyama (Fundación FotoColectania. Barcelona)

Un soplo de aire fresco es lo que supone la exposición de Daido Moriyama que quedó congelada en el tiempo justo en el momento del confinamiento y que ha reabierto esta nueva normalidad en la barcelonesa Fundación Foto Colectania, en colaboración con la Fundación Hasselblad y la del Banco Sabadell .

En ella se demuestra la versatilidad de uno de los autores clave de la fotografía urbana más efervescente y rotunda, con cinco décadas de trabajo a sus espaldas. Un trabajador incansable de la imagen, a la que lleva al límite jugando con encuadres imposibles y con sus infinitas posibilidades en pared, publicaciones y formatos variados, desde la exquisitez de sus piezas impresas y enmarcadas tradicionalmente a los aplastantes vinilos que conforman la muestra.

Una ciudad sin nombre que pueden ser muchas y que nos permite adentrarnos en su trepidante mirada de blancos y negros liberadores , rotos solo en ocasiones contadas por un color tan contundente como su creación de discursos abruptos y que llevan en picado a pasear por el frenesí metropolitano.

Toda una experiencia fotográfica que se complementa con un saludo tan amigable como necesario, acercándonos virtualmente a un encuentro con el autor, en un medio tan cotidiano actualmente. Hasta el 4 de octubre. Por Isabel Lázaro

Ramón David Morales (Iglesia de Santa María de la Asunción. Carmona)

Verano diferente. Verano de interior. Más allá de grandes eventos expositivos, en Carmona, la villa que Fernando Zóbel llamó la Toledo del sur, es posible disfrutar durante todo el estío de una propuesta que unifica patrimonio histórico y arte contemporáneo en la Prioral de Santa María, uno de esos grandes templos gótico-barrocos que antes de serlo fueron mezquita aljama y basílica visigoda.

La obra de Ramón David Morales (Sevilla, 1977) se embosca a la perfección en las capillas, entre los retablos, sobre los facistoles, en una suerte de juego de camuflajes y revelaciones ópticos e intelectuales.

El lenguaje del pintor hispalense se nutre del conocimiento de la Historia del Arte precedente (de Fra Angélico a las vanguardias históricas), mientras transita por un simbolismo muy particular , que no se apoya en la acumulación del signo sino en remarcar su esencialidad por medio del aplanamiento cromático y la depuración formal.

Y la apuesta, impulsada por la Pastoral de Patrimonio, funciona: como en un rompimiento de Gloria, varios mundos y tiempos de la cultura, la historia y la espiritualidad dialogan en un mismo instante, en un mismo espacio. Hasta el 30 de septiembre. Por Iván de la Torre Amerighi

Ramón Masats (Tabacalera. Madrid)

En un momento en el que nos cuestionamos si volveremos a vivir como vivíamos hace tan solo unos meses, puede que resulte muy oportuno echar la vista atrás y asomarnos a ver cómo fuimos los españoles .

Revisión que ha de hacerse con no poca sensibilidad y despejado el ánimo, para evitar deslizarse por la pendiente de los prejuicios que alimentan esa altanería antropológica de quienes se piensan mejores de lo que fueron sus abuelos. Sería un despropósito enrocarse en la simple lectura política, torpe y facilona , de unas instantáneas como las que recoge esta exposición de Ramón Masats , un clásico de primer orden dentro de nuestra fotografía. Cronista icónico, en su mejor acepción, de la vida española desde la segunda mitad del siglo XX.

Aplicando cierta perspectiva, hay que reconocer la fortuna –histórica, patrimonial, pero también emocional y sensitiva– que supone haber contado con alguien de sus condiciones para dejar tan inspirado testimonio de nuestro pasado ; en el caso que nos ocupa, de las décadas de los 50 y 60, las del arranque del Desarrollismo. Masats eleva el documento a la categoría de visión reveladora , significativa en sus términos formales y en su oportunidad. Beneficiémonos, pues, de esta impagable elocuencia . Hasta el 12 de octubre. Por Víctor Zarza

«¿Cuál es nuestro hogar?» (IVAM. Valencia)

Durante el confinamiento hemos tenido que modificar nuestras rutinas y pasar más tiempo en casa. Volver a las calles, los parques y espacios abiertos ha supuesto una liberación todavía con los ánimos contenidos. Pero también un ejercicio de reflexión en torno a la pregunta ¿Cuál es nuestro hogar? Que da título a la exposición comisariada por José Miguel García Cortés en el IVAM .

La muestra, que se podrá visitar hasta enero de 2021, es una colaboración con el Museo Nacional de las Artes del siglo XXI de Roma (MAXXI) . El proyecto pone en diálogo un conjunto de obras prestadas por el museo italiano ( Ilya y Emilia Kabakov, Francis Alys, Jana Sterbak, Mario Merz, Alfredo Jaar, Kara Walker, William Kentridge y Teddy Cruz ) con una selección de piezas de la colección del IVAM ( Bruce Nauman, Gabriele Basílico y Richard Hamilton ).

A través de instalación, escultura, fotografía y vídeo, el visitante completa un recorrido en el qu e cada obra invita al detenimiento . La contemplación de los diferentes trabajos permite una lectura en clave de refugio. Una buena oportunidad para entender que lo que llamamos hogar ahora se extiende desde las paredes de nuestras casas hasta cada rincón de nuestras ciudades . Hasta el 31 de enero. Por Marisol Salanova

Francesc Torres (CGAC. Santiago de Compostela)

Todo aquello que ya no pertenece a la tierra, pero que el mar rechaza : despojos de cualquier naufragio, troncos y maderas tras el temporal, fragmentos de bateas o los desperdicios que vomitan las embarcaciones… «Crebas», en gallego, que han servido a Francesc Torres (Barcelona, 1948) para titular esta suerte de retrospectiva en el CGAC , donde se recogen trabajos fechados entre 1976 y 2019.

Magníficamente articulada , la selección incluye un puñado de sus mayores aciertos en esas cuatro décadas y media, punteados por obras muy recientes e inéditas que el artista ha desarrollado en Galicia. El conjunto permite al tiempo contextualizar bajo una perspectiva amplia y analizar desde un ángulo agudo trabajos tan rotundos como Construction of the Matrix (1976), Sofía y el abismo (2005-09), Blanco sobre blanco/Rojo sobre tojo (2008), o Feminicidios (2018), que se cuentan entre lo más certero de toda su trayectoria.

Pero es la impresionante instalación La campana hermética (2018), la que culmina y sacia el recorrido . Una suerte de cámara de las maravillas, de interminable Libro de los Pasajes, de vertedero ordenado, de almoneda de Vathek, de índice agónico, de listado infinito contra la desaparición, de vaciado de disco duro, de verborrea de Funes el Memorioso , ¡qué se yo!, donde Torres colma su proyecto vital y artístico. De momento. Hasta el 10 de enero. Por Óscar Alonso Molina

Dagoberto Rodríguez (CAAM. Las Palmas de Gran Canaria)

Entre desbarajustes y modificaciones varias en el calendario expositivo de los museos y centros de arte insulares, este verano, ya con sus puertas abiertas, en Canarias nos encontramos con propuestas sumamente interesantes . Una de ellas, sin lugar a dudas, la localizamos en el CAAM : Guerra interior, del cubano Dagoberto Rodríguez , cofundador del dúo artístico Los Carpinteros .

La muestra supone una radiografía de las discordias y rivalidades tan propias del ser humano vistas bajo el prisma de la parafernalia bélica. Empleando como punto de partida la reciente guerra de Siria, aunque extrapolable a otros contextos, el artista nos muestra una especie de progreso frustrado donde pasado, presente y un hipotético futuro se funden y se confunden.

Tras 30 años formando parte de un colectivo, Rodríguez se lanza en solitario, aunque su obra sigue siendo fruto de procesos colaborativos , lo que queda patente en la veintena de piezas que componen esta exposición.

De entre todas ellas destaca el vídeo Geometría popular (2020), tremendamente premonitorio , donde un grupo de personas encerradas interactúan, evidenciando los conflictos de la convivencia humana. Este verano no dejen de acercarte al centro grancanario para disfrutar de un Dagoberto Rodríguez rodeado de tecnología, ironía y un poco de reguetón . Hasta el 8 de noviembre. Por Adonay Bermúdez

Anri Sala (Centro Botín. Santander)

La exposición de Anri Sala (Albania, 1974) en el Centro Botín es una de las propuestas sobresalientes para este verano.

Resaltamos en ella la videoinstalación a escala cinematográfica As You Go : una coreografía de música e imagen dibujada a partir de las proyecciones «móviles» que se desplazan a lo largo de una pantalla de treinta metros, de extremo a extremo.

El artista integra la arquitectura del edificio en todo momento, bien sea realzando la dimensión y peculiaridad de las salas o bien enmarcando las vistas al mar. Sea a través de vídeos, proyectos escultóricos o plásticos, Sala diseña el espacio musical para reconvertirlo a la estructura donde se apreciarán las obras. Hasta el 10 de septiembre. Por María Peña Lombao

Julio Anaya (Museo Arte Ruso de Málaga y galería Yusto/Giner. Marbella)

Julio Anaya Cabanding ha convertido su prodigiosa capacidad para copiar en arma al servicio de proyectos que revisan relatos de la Historia del Arte.

Así, reflexiona acerca de cómo se han configurado estos e intenta «materializar pictóricamente» aspectos inadvertidos. En  Palacio Mijhailovsky. 125 años acumulados , que conmemora la creación del Museo Estatal de San Petersburgo en el Museo Ruso de Málaga , a la apropiación de parte de la colección suma una dimensión instalativa , sumergiéndonos mediante trampantojos en una recreación de una de las sedes de aquella institución. La muestra podrá visitarse hasta febrero de 2021.

Y hasta el 10 de septiembre, otra cita suya se despliega en la galería Yusto/Giner de Marbella titulada Before 1881 , un conjunto de posibles referencias para Picasso.  Por Juan Francisco Rueda

José Luis Serzo (CAB. Burgos)

El proyecto estético de José Luis Serzo (Albacete, 1977) siempre cuenta con una exquisita puesta en escena. En sus últimas series, ha explicitado esta dimensión teatral subrayando la presencia de los artificios que sustentan su dramaturgia : telones, andamios, cuerdas o disfraces son motivos que incorpora a su iconografía, pero también al diseño de sus exposiciones.

Acercarse a su obra implica acceder a un escenario inconfundible , con personajes extraños, espacios singulares y situaciones inesperadas. La dimensión plástica de sus materiales (pintura, dibujo, escultura e instalación) ha privilegiado la intensidad lírica del acontecimiento frente a la distensión narrativa del relato.

Pero este privilegio se invierte en Archimétrica , su primer trabajo cinematográfico (ahora, en el CAB de Burgos ), donde desarrolla una historia sobre los porosos límites que separan la normalidad y la locura. La película, de una belleza compleja y perturbadora, asume el estatuto de la ficción para iluminar aspectos conflictivos de la realidad humana.

Serzo también abre en canal las distintas fases de su proceso creativo: junto al cortometraje, exhibe dibujos, cuadros y objetos que transforman la sala de exposiciones en una «cámara de maravillas» ; indagar en ella nos permite orientarnos, pero, sobre todo, perdernos en un deslumbrante universo estético donde nunca está todo dicho. Hasta el 20 de septiembre. Por Carlos Delgado Mayordomo

Eva Lootz (Museo Patio Herreriano y Nacional de Escultura de Valladolid)

¿Puede ser el arte un espejo de la vida? La exposición abierta, diseminada, que Eva Lootz presenta en los museos Patio Herreriano y Nacional de Escultura en Valladolid es toda una síntesis de su brillante trayectoria artística , y a la vez una intensa llamada de atención hacia lo que desaparece cuando debería quedar, cuando deberíamos saber cómo conservarlo. El respeto y reconocimiento de los otros, de la diversidad humana.

En el Patio Herreriano, una gran lengua de betún negro recorre el suelo, junto a otras lenguas adosadas en la pared . Al entrar en la sala, un audio nos dice que cada quince días desaparece una lengua, en alusión a lo que sucede en América Latina. En otra sala, tres grandes conos: dos de óxido, uno rojo, otro negro, y el tercero de caolín blanco. Todo ello nos habla de la diversidad de las lenguas humanas , utilizando como soportes materiales fluidos.

El proyecto se completa en la Capilla del Museo Nacional de Escultura con una inscripción en el suelo sobre cristal de espejo. Una cita de Paul Cézanne que nos dice: «Si aún quieres ver algo, date prisa: todo está desapareciendo». Conservar lo que debe durar: la diversidad de las lenguas, de las culturas humanas. Hasta el 8 de noviembre. Por José Jiménez

«Acción. Una historia provisional de los 90» (MACBA. Barcelona)

No debemos manosear los tiempos que estamos viviendo para justificar todo lo que ocurre, pero tampoco podemos sustraernos a su contingencia. En una época donde e l cuerpo (más que nunca) se convierte en campo de batalla , en sujeto y objeto de actuación, de posicionamiento y de identidad, dos exposiciones que suceden en Barcelona (otro de esos lugares que la contemporaneidad ha situado, de nuevo y por diferentes motivos, en el punto de conflicto) reivindican el pasado como premonición y al individuo como el espacio político más esencial.

La «revisión (provisional)» que el MACBA plantea sobre el arte de acción de los 90 y la individual de Daniel García Andújar para La Virreina , comisariadas respectivamente por Ferran Barenblit y Valentín Roma , son mi elección para este verano extraño de movilidades reducidas y cautelosas.

La primera (hasta el 7 de febrero) pone el foco, a través de artistas como Abril Ascaso, Antúnez, Benlloch, Brossa, Cabello/Carceller, Criado, Espaliú, Ferrer, Hidalgo o Valcárcel Medina , en la influencia histórica del arte de acción, pero también en el replanteamiento de esa institución llamada museo o en el rol del espectador en un momento donde los protocolos cambian de forma rápida y obligada.

A su vez, García Andújar, partiendo precisamente de sus proyectos de los años 90 y del cuestionamiento del papel del artista, establece una metáfora donde la Historia se configura como un eterno retorno en el que las utopías se vuelven distópicas a partir de la debilidad de sus enunciados y, sobre todo, de las deformaciones de su ejecución. Hasta el 27 de septiembre. Por Fernando Gómez de la Cuesta

Marion Thieme (Ayuntamiento de Logroño)

Puesto que este es el año del turismo rural, renunciaré a los circuitos urbanos habituales y recomendaré vivamente el reencuentro con una artista que huyó de Madrid en 2009 –al poco de celebrar una exitosa exposición en la galería Magda Bellotti y tras pasar en dos ocasiones por ARCO –, optó por la austeridad extrema y se instaló en Munilla, un pueblecito de La Rioja, donde ha seguido trabajando en colaboración con su pareja, el poeta Antonio Santamaría Solís (Madrid, 1963).

Artista resistente, pues, insobornable, formada en Dusseldörf con Klaus Rinke y afincada en Madrid desde 1994, Marion Thieme (Zeppelinheim, Alemania, 1959) expone un ambicioso conjunto de pinturas y esculturas y una instalación en el Ayuntamiento de Logroño, ubicado en un edificio de Rafael Moneo que precisamente cumple ahora cuarenta años.

Mal país-State of becoming es un proyecto fraguado durante la estancia de la artista y el poeta en Lanzarote, invitados por la Fundación Nautilus-Lanzarote , en mayo de 2019. El viaje y el proceso fueron documentados por Antonio Santamaría, cuyas fotografías y cuyo diario, Los días , nos introducen en la exposición.

Primero las acuarelas y collages , inspirados en la geometría de la flora y de la arquitectura de Manrique; a continuación un conjunto de Campos cromáticos al óleo sobre madera sin cepillar –la característica pintura matérica y cruda de Thieme, que nace del expresionismo alemán de los ochenta– y, en el suelo, un dibujo a carboncillo sobre madera de quince metros cuadrados que representa la vegetación de la isla. Hasta el 30 de agosto. Por Javier Rubio Nomblot.

Juan Baraja (Fundación Cerezales. León). Encuentros de Genalguacil. Aragon Park y Petrit Halilaj (Madrid).

En este verano atípico al que le han arrancado sus citas más genuinas ( ArteSantander , La Mar de Músicas en Cartagena, un buen mordisco de PHotoEspaña ...), un hipocondriaco como yo les recomienda huir de las aglomeraciones de las grandes urbes en pos de proyectos en el espacio abierto y que nos conecten con la Naturaleza.

Por eso, comienzo por invitarles a poner rumbo a un espacio maravilloso en medio de la (casi) nada: La Fundación Cerezales en Cerezales del Condado. Hasta allí lleva sus series fotográficas de los últimos diez años el joven Juan Baraja , un fotógrafo obsesionado por lo arquitectónico, pero también por la cadencia temporal, las esperas y las pausas . Solo por conocer la institución ya merece la pena la visita. Lo que aporta el toledano es un plus.

Y siempre nos quedarán los Encuentros de Genalguacil (desde el 25 de julio), que un año más, en agosto, convierten esta localidad malagueña en punto de encuentro de creadores volcados con sus espacios. Este 2020 se quiere además conmemorar los 25 años de compromiso de la localidad con el arte actual, con una colectiva en su museo comisariada por Juan Francisco Rueda con obras de autores como Medina Galeote, Eugenio Merino, Noelia García Bandera o Arancha Goyeneche , que se completa con el proyecto «satélite» de Miguel Fructuoso que la galería T20 traslada hasta allí desde el 2 de agosto.

Y si no pueden huir de la ciudad, busquen sus remansos de paz. En Mallorca, puede ser la muestra Under Construction, en Casal Solleric , donde Adonay Bermúdez plantea a artistas como L ara Almarcegui o Marlon de Azambuja reflexionar sobre este mundo que se nos deshace entre las manos. O, en Madrid, en los espacios más que abiertos de un edificio abandonado, el de Aragon Park , resucitado ahora por una veintena de creadores, en una especie de bienal ecológica muy punkie, que durará lo que tenga que durar...

También la gran instalación de Petrit Halilaj en el Palacio de Cristal . No nos importa descubrir que las plantas que convierten de nuevo ese espacio en invernadero son falsas: necesitamos de algo de irrealidad en estos días de desasosiego, que nos llega por parte de un artista que tanto habla de libertad. Como David Catá en su serie «Horizonte» (galería Metro). Por Javier Díaz-Guardiola